John Dowland. De formación musical incierta. Famoso en vida, apreciado y rechazado; se convierte al catolicismo en su juventud, fe de la que luego renegará; músico virtuoso, de personalidad compleja; frustrado, melancólico y seguramente depresivo; consumado tañedor de laúd, sin lugar dudas. Nos lega siete lágrimas instrumentales, perlas en forma de pavana, posible descripción de su personalidad. John Dowland. El más importante compositor inglés de su generación. Nace en 1563 y muere en 1626.

el músico y sus melancolías

Acaso producto de las persecuciones político-religiosas sufridas en Italia; tal vez ante imposibilidad de reunirse con el gran Luca Marenzio, a quien tanto admiraba; quizá debido a los reiterados y fallidos intentos para ocupar una plaza como músico en la corte de Isabel I; ¿quién sabe?, el hecho es que Dowland se ve inserto en un panorama cada vez menos alentador para un músico que conocía sus cotas y que era profundamente admirado, no solo en Inglaterra. Y si hay una palabra que define la constate anímica de nuestro laudista, esa es melancolía. Y esa tremenda melancolía se ve finalmente plasmada en 1604, año en que personalmente supervisa la edición su Lachrimæ, or seven teares, a cinco partes, para laúd y violas o violines. Escrita entre Dinamarca e Inglaterra, es John Windet quien publica en Londres esta colección dedicada a la nueva Reina de Inglaterra, Anna, esposa de Jacobo I y hermana del Rey Cristián IV de Dinamarca, monarca para quien Dowland prestaba servicios.

la edición

Lachrimæ, or seven teares plantea más de una novedad para la música impresa destinada al consort de cuerdas frotadas. Esta publicación incluye una parte para el laúd en la notación típica para la cuerda pulsada, la tablatura, y además y en el mismo contexto instrumental, es la primera y única colección que utilizó una curiosa presentación de las partes, contenidas todas en el mismo folio, pero perimetralmente. Una partitura que nos habla de un grupo de músicos sentados alrededor de una mesa.

la música

Lachrimæ presenta al inicio una suerte de suite conformada por siete pavanas: seis variaciones sobre la primera de ellas, Lachrimæ Antiquæ, y al igual que el modelo, las restantes llevan descriptivos títulos en latín: Lachrimæ Antiquæ Novæ, Lachrimæ Gementes, Lachrimæ Tristes, Lachrimæ Coactæ, Lachrimæ Amantis y Lachrimæ Veræ.

Además de la serie de siete pavanas apasionadas, como se lee la portada, la colección se completa con otras tantas pauans, galiards, and almands. En total suman 21 piezas. En la mayoría de los casos, estas diversas danzas corresponden a arreglos de creaciones que previamente fueron planteadas para el laúd solo, las que a su vez dieron origen a piezas para el laúd como acompañamiento de la voz: “Can she excuse my wrongs?” del primer libro de canciones (1597) ahora lleva por título “The Earle of Essex Galiard”; en “Captaine Piper his Galiard”, se reconoce a “If my complaints”, otro ayre del mismo primer libro, y la principal pieza de esta nueva colección, la pavana “Lachrimæ antiquæ”, también tuvo vida primero en un tablatura para luego formar parte del Second booke of Songs or Ayres (1600), la famosa “Flow, my tears”.

Si el inicial conjunto de pavanas sugiere diversos estados anímicos, eventualmente del autor, es otra danza, otra pavana, sosegada y solemne, que da espacio a los suspiros largos, a la frase profunda y dolida, la que fija y materializa en sonidos el mejor retrato del melancólico Dowland. La llamó “Semper Dowland semper Dolens”.

john dowland (1563 – 1626)
lachrimæ (1604)

fretwork
christopher wilson, laúd

virgin, 1993 [60’03’’]

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Con motivo de los 250 años de la muerte del Caro Sassone, acaecida en Londres el 14 de abril de 1759, las editoriales discográficas no tardaron en entregarnos una avalancha de novedades, reediciones y cajas recopilatorias a lo largo de todo este año. Paso revista a los catálogos de los principales sellos que se inclinan por la interpretación con criterios historicistas y el panorama es más que alentador, tanto para quien quiere sumergirse por primera vez en el repertorio del compositor oriundo de Halle, como para quien quiere completar algún vacío handeliano en su discoteca. Yo recuerdo que comencé este año adquiriendo muy atrasadamente algunos oratorios dirigidos por Paul McCreesh para la casa Archiv: Saul (2004), Solomon (1999) y esa belleza que es Tehodora (2000). El mismo sello alemán nos entregó en marzo las óperas Alcina y Ezio y ya nos anuncia el registro de Agrippina (Joyce DiDonato, Maite Beaumont y Karina Gauvin), todos trabajos de la mano de Alan Curtis y su Complesso Barocco. Harmonia Mundi nos presentó en el último tiempo 5 sendas cajas recopilatorias: Famous Arias (4 cds), Arias for… (4 cds), Oratorios (Saul y Messiah; René Jacobs, 4 cds), Operas (Giulio Cesare, Flavio y Rinaldo; René Jacobs, 10 cds) y Concertos (Op. 3, 4 y 6, Academy of Ancient Music, Andrew Manze y Richard Eggar, 4 cds). El mismo Eggar y los miembros de la orquesta inglesa añaden este año un disco doble con las sonatas Op. 1, otro recién salido a la venta con los conciertos para órgano agrupados como Op. 7, y un último trabajo que reúne las sonatas del Op 2 y Op. 5. La Ode for the Birthday of Queen Anne junto a al Dixit Dominus es otra de la novedades del sello. Ahora es Marcus Creed quien dirige a la Akademie für Alte Musik Berlin y al Vocalconsort Berlin. Por su parte, el sello Naïve presentó cuatro recitales de arias: Between Heaven & Earth (Sandrine Piau y Stefano Montanari, Accademia Bizantina), Arie per basso, por Lorenzo Regazzo y la batuta de Rinaldo Alessandrini, quien también dirige a la Piau y a Sara Mingardo en el disco Arias and Duets. Se añade la reedición a precio medio de Opera Seria, ariastambién cantadas por Sandrine Piau, pero esta vez dirigida por Christophe Rousset. El sello alemán Carus se dedicó principalmente al oratorio: Alexander’s Feast; Ode for St. Cecilia’s Day (Kölner Kammerchor, Collegium Cartusianum, Peter Neumann), Messiah (Kammerchor Stuttgart, Barockorchester Stuttgart, Frieder Bernius), Samson (NDR Choir, Festival Orchestra Göttingen, Nicolas McGegan), Saul (Dresdner Kammerchor, Dresdner Barockorchester, Hans-Christoph Rademann), Jephta (Kammerchor der Frauenkirche, Dresdner Barockorchester, Matthias Grünert), Israel in Egypt (Vocalensemble Rastatt, Les Favorites, Holger Speck) y presentó también una nueva versión para las Neun Deutsche Arien (Monika Mauch, L’arpa festante, Rien Voskulien), mas yo me quedo siempre con la lectura de la insuperable Carolyn Sampson y Robert King (Hyperion, 2007). El sello español Glossa continúa con su regular entrega para la serie Le Cantate Italiane y este año Fabio Bonizzoni y su Risonanza nos presentó el Volumen V con el mismo alto nivel artístico, preciosa presentación y con las respectivas notas históricas en cuatro idiomas, al igual que en los registros anteriores. Y muy pronto aparecerá el sexto volumen con un reparto de lujo. El destacado sello inglés Hyperion editó el año pasado la serenata Parnasso in Festa (Matthew Halls, The King’s Consort) y el Dettingen Te Deum (Stephen Layton, The Academy of Ancient Music) y este año añade una selección de los Chandos Anthems. No puedo dejar de mencionar la magnífica versión de Acis & Galatea de John Butt y su Dunedin Consort & Players (Linn Records, 2008) como así tampoco la reedición de Water Music en quizá la mejor versión existente: Alfredo Bernardini y el ensemble Zefiro (Ambroisie/Naive). El 2008 Virgin lanzó Furore – Arias (Joyce DiDonato, C. Rousset, Les Talens Lyriques) y este año La Resurrezione (Emmanuel Haïm, Le Concert d’Astrée) y la ópera Faramondo (Diego Fasolis, I Barocchisti). Deutsche Grammophon sorprende con un recital de Arie italiane per basso con Ildebrando D’Arcangelo acompañado por el Modo Antiquo de Federico Maria Sardelli. Y para cerrar esta breve reseña, el resucitado sello L’Oiseau-Lyre se roba los aplausos con los Concerti grossi Op. 6 (Giovanni Antonini, Il Giardino Armonico) y un magistral Op. 4 por Ottavio Dantone y la estupenda Accademia Bizantina. Qué les puedo decir, adquieran solamente uno de los discos antes mencionados y déjese maravillar con el arte del compositor más grande que ha existido jamás. Y estas últimas no son palabras mías, lo dijo un famoso pianista y compositor que padecía sordera.

Publicado en Venecia por Ricciardo Amadino en 1614, Il sesto libro de madrigali a cinque voci…, con un Dialogo a Sette sigue el natural desarrollo de lo expuesto por Monteverdi en las últimas seis creaciones de su anterior libro: estamos frente a la etapa final del madrigal en su estructura clásica y a un paso de la consolidación de la nueva tendencia, el madrigal concertante, narración musical adecuada para expresar diversos planos emotivos.

Sólo diez piezas dan forma al sexto libro, que dividido en dos partes, plantea un juego con la simetría. Cada sección comprende un planto a gran escala (Lamento d’Arianna y Sestina, con 4 y 6 partes respectivamente), un madrigal sobre un texto de Petrarca y otros sobre versos de Giambattista Marino. Un solo madrigal atiende a un texto anónimo.

Compuesto en Mantua al menos cuatro años antes de su publicación, este sexto libro ofrece los últimos respiros al equilibro tradicional, la escritura a cinque, que si bien se entiende como cosa del pasado, acá ensaya nuevas y extremas posibilidades. El planteamiento de las voces rompe la tradicional homogeneidad y al mismo tiempo introduce con fuerza los profundos cambios que experimenta el género cuando se combina la monodia con el estilo concertante en una creación para varias voces.

Por otro lado, la presencia del basso continuo, sugerido ya por el propio compositor para las seis piezas finales del quinto libro, es ahora estable y aplicable en cada madrigal. Tanto los instrumentos de arco como las cuerdas pulsadas brindan un soporte armónico, elemento que otorga plenas libertades a la declamación natural de la palabra y permite que cada voz se mueva con mayor independencia respecto de las otras.

El sexto libro cierra magistralmente con Presso un fiume tranquillo, imponente dialogo concertato concebido a sette.


el lamento

Lasciatemi morire;
e che volete voi che mi conforte
in così dura sorte,
in così gran martire?

A cinco voces se escucha ahora, luego de seis años de su estreno, el monódico lamento de L’Arianna. Único extracto sobreviviente de la tragedia en música estrenada en 1608 en el palacio ducal de Mantua, es la pieza elegida para abrir la nueva colección.

Con esta adaptación polifónica, el compositor agota sobre el texto de Rinuccini todas las posibilidades del stile antico y explicita en el pentagrama todo elemento descriptivo para que las tres voces internas coloreen los ángulos, cubran cada resquicio y resuelvan el armónico cuadro musical delimitado por el marco de las voces extremas.

Pero son más las versiones existentes de la célebre pieza. A la polifónica de éste sexto libro se suma una segunda de reescritura monódica, de 1623, cuando nuevamente los instrumentos sostienen la armonía; y una tercera, sacra, incluida en el Selva Morale e Spirituale de 1640 y que lleva por título Pianto della Madonna sopra il Lamento d’Arianna a voce sola.


las lágrimas de un amante

En marzo de 1608 y poco antes del estreno de L’Arianna, muere sorpresivamente Caterina Martinelli, joven cantante al servicio de la corte de Mantua para quien Monteverdi compone el rol protagónico. A modo de homenaje, Monteverdi escribe Sestina: Lacrime d’amante al sepolcro dell’amata, pieza que establece la conexión entre las dos partes del libro, pues Sestina es también un amplio lamento, es el llanto de un pastor cuya ninfa ha muerto. En Glauco y Corinna se reconoce a Vincenzo Gonzaga y a la “Romanina”, apodo con que se conocía a Martinelli, favorita del Duque de Mantua.

Pero tanto dolor en música, tanto sufrimiento íntimo sugiere una inmediata segunda lectura y ésta es clara: Monteverdi no solamente escribe para su señor, Monteverdi plasma un último y conmovedor adiós para su esposa, Claudia Cattaneo, que había muerto en 1607.


el registro

Para el sexto libro de madrigales, mi elección discográfica es el doble disco registrado por Delitiae Musicae para el sello Naxos. Como es habitual en esta integral en curso, Marco Longhini, su director, opta por una lectura historicista y graba sólo con voces masculinas: tres contratenores, dos tenores, un barítono y un bajo asumen las líneas del cantus, quintus sextus, septimus, quintus-altus, altus, tenor y bassus, a las que les añade un virtuoso conjunto instrumental.

A los citados diez madrigales, se incluye acá la versión del Lamento d’Arianna de 1623 así como otras tantas creaciones de Monteverdi que fueron incluidas en diversas antologías publicadas entre 1594 y 1634, algunas de ellas nunca antes llevadas al disco.

Con una cuidada lectura, el conjunto italiano logra dar satisfactoriamente con las emotivas imágenes musicales contenidas en cada poema. El empaste de las voces es preciso, la agógica y la dinámica se explotan en plenitud y enriquecen la entonación amable, delicada y atenta. El madrigal exige el tiempo que cada palabra se merece y Longhini, con sabiduría y generosidad, lo otorga con gracia.

claudio MONTEVERDI (1567 – 1643)
sesto libro dei madrigali

delitiae musicae
marco longhini, director

naxos, 2007 [CD 1 68’48’’ + CD 2 57’28’’]

Las piezas para tiorba, guitarra y laúd de Robert de Visée han sido objeto de, por lo menos para mí, cuatro referenciales registros. Todos ofrecen una lectura distinta y en conjunto logran una amplia visión de la obra del gran maestro francés. Hace ya treinta años que Hopkinson Smith inició la serie de la mejor manera, al dedicarse al Manuscrit de Vaudry de Saizenay (1699); luego, en dos oportunidades y asumiendo en la última de ellas una doble faceta, como solista y como continuista, Pascal Monteilhet hizo gala de su inigualable criterio musical cuando grabó primero algunas Suites de Danses para tiorba y luego una selección de las Pieces de theorbe mises en Partition, Dessus et Basse (1716); en 2003, Eduardo Egüez aportó con su habitual precisión al pulsar las cuerdas de los tres instrumentos antes mencionados, pero para un mismo e intachable registro.

Frente a este panorama, no habría mucha novedad que esperar de cara a otra cita discográfica con la música de quien fuera Maître de guitare du Roi. Pero cuando de por medio hay un par de manos virtuosas, madurez y claridad en el discurso musical, no viene mal un reencuentro con las graves sonoridades de este repertorio colmado de sutilezas. Y Fred Jacobs cumple sobradamente con todos los requisitos.

Nuevamente, diversas miniaturas son agrupadas de acuerdo a su tonalidad para dar forma a las suites: libres préludes, aquellos que preparan a los dedos en la posiciones correctas, son seguidos por estilizadas danzas ordenadas en esa casi estricta secuencia allemande – courante – sarabande – gigue a las que se le intercalan menutes, gavottes, rondeaux o diversas piezas descriptivas. Junto a las tres suites que conforman este recital, Jacobs presenta cuatro transcripciones que el propio de Visée realizara sobre música escénica de Jean-Baptiste Lully (1632 – 1687).

Como antes aclaré, acá no estamos frente a una lectura novedosa o a una propuesta que haga replantear la forma de abordar la obra de Robert de Visée. Sí se aprecia, en cambio y de comienzo a fin, un logradísimo recital y con un elogiable detalle: para el presente disco, Jacobs utiliza un gran theorbo francés, a diferencia de la gran mayoría de los actuales laudistas, quienes se inclinan ante el thérobo de pèices, instrumento de menor tamaño y de más fácil manejo.

robert de VISÉE (c.1660 – d.1732)
pièces de théorbe

fred jacobs, french theorbo

metronome, 2008 [56’56’’]